L'écoute
Un espace où l’on écoute avant de classer, où l’on ressent avant d’analyser.
Cette rubrique accueille des textes aux horizons musicaux très éclectiques : musiques savantes ou populaires, traditions lointaines ou créations contemporaines, souvenirs intimes, découvertes fortuites, réflexions personnelles ou coups de cœur assumés. Peu importe l’époque, le style ou l’origine : seul compte ce que la musique provoque, ce qu’elle raconte, ce qu’elle révèle.
L’écoute, c’est aussi une invitation à ralentir. À prêter attention aux sons, aux silences, aux émotions qu’ils traversent. Une manière de rappeler que la musique n’est pas seulement un objet culturel, mais un langage universel, un lien invisible entre les individus, les lieux et les mémoires.
Les textes rassemblés ici ne prétendent ni à l’exhaustivité ni à l’expertise académique. Ils sont avant tout des fragments d’écoute, des regards sensibles, des chemins de traverse proposés au lecteur curieux. Tendre l’oreille, simplement.
Quelques notes suffisent parfois à nous transporter dans une région, à évoquer une fête ou à faire revivre une tradition. En Isan, dans le nord-est de la Thaïlande, un instrument accompagne depuis longtemps les chants et les rassemblements : le khène.
Avec ses longs tubes de bambou et sa sonorité reconnaissable, cet instrument nous invite à découvrir une partie du patrimoine musical de l’Isan et du Laos voisin.
I - Un instrument qui donne de la voix au bambou
Le khène, appelé « แคน » en thaïlandais, est un instrument à vent traditionnel. Il appartient à la famille des orgues à bouche.
Il se compose de plusieurs tubes de bambou de longueurs différentes, disposés par paires et réunis dans une petite chambre en bois. À l’intérieur de chaque tube se trouve une fine languette métallique, appelée anche.
Pour jouer, le musicien place sa bouche sur l’embouchure et souffle dans l’instrument. L’air fait vibrer les anches et produit les notes. En ouvrant ou en bouchant les trous des tubes avec ses doigts, il fait varier les sons et compose une mélodie.
Le khène peut également produire des notes lorsque le musicien inspire. Cette particularité donne à sa musique une impression de continuité.
II - Une musique qui rassemble
En Isan, le khène occupe une place importante dans la musique populaire. On l’entend notamment pour accompagner le « mor lam », une forme de chant traditionnelle présente dans la région et au Laos.
Au rythme de l’instrument, les chanteurs et les chanteuses racontent des histoires, expriment des sentiments ou échangent avec leur public. Selon les morceaux, la musique peut être douce et mélancolique ou, au contraire, entraînante et festive.
Le khène accompagne ainsi des moments de partage : fêtes de village, spectacles, danses et célébrations. Sa musique fait partie de la vie culturelle de nombreuses communautés et continue d’être transmise aux nouvelles générations.
III - Un patrimoine partagé entre l’Isan et le Laos
Le khène est particulièrement présent dans le nord-est de la Thaïlande, mais il occupe aussi une place essentielle dans la culture du Laos.
De chaque côté du Mékong, les populations partagent des traditions, des langues et des musiques qui se sont rencontrées au fil du temps. Le khène témoigne de cette proximité culturelle : ses mélodies peuvent être entendues aussi bien en Isan qu’au Laos.
En 2017, la musique du khène du peuple lao a été inscrite sur la Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité de l’UNESCO. Cette reconnaissance souligne l’importance de cette tradition musicale dans la vie des communautés et rappelle la nécessité de transmettre ce savoir aux générations futures.
https://www.unesco.org/archives/multimedia/document-4630?utm_source=chatgpt.com
Pourquoi la musique nous aide-t-elle à découvrir une culture ?
Un instrument peut nous raconter bien plus qu’une mélodie. À travers sa fabrication, les occasions où l’on en joue et les histoires qu’il accompagne, il nous parle aussi des personnes qui le font vivre.
Le khène, avec ses tubes de bambou et son souffle continu, nous invite à tendre l’oreille vers l’Isan. Il rappelle que la musique peut être à la fois un héritage que l’on transmet et une façon de se retrouver.
Même lorsque nous ne connaissons pas les paroles d’un chant, nous pouvons nous laisser toucher par son rythme, sa sonorité et l’émotion qu’il transmet. La musique devient alors une belle porte d’entrée vers une autre culture.
Petit vocabulaire musical :
Un instrument à vent : un instrument dont le son est produit grâce à l’air.
Une embouchure : la partie de l’instrument sur laquelle le musicien place sa bouche pour jouer.
Une anche : une fine languette qui vibre au passage de l’air et participe à la production du son.
Une mélodie : une succession de notes qui forme un air que l’on peut écouter ou retenir.
Eva SERRA
Quand la chanson française traverse les frontières : « La Vie en rose »
Quelques notes suffisent parfois à faire surgir un souvenir, une émotion ou même l’image d’un pays. Et lorsqu’on pense à la chanson française, certains airs semblent avoir traversé les générations et les frontières.
Parmi eux, difficile de ne pas citer « La Vie en rose », devenue l’une des chansons françaises les plus connues au monde.
I - De Paris au monde entier
Écrite et interprétée par Édith Piaf, « La Vie en rose » est enregistrée dans les années 1940, dans une France tout juste sortie de la Seconde Guerre mondiale.
Avec sa voix immédiatement reconnaissable, Piaf chante l’amour de manière simple, directe et presque intime. Le titre évoque cette sensation de voir le monde autrement lorsque l’on est amoureux : tout paraît plus beau, plus doux... presque « rose ».
Très rapidement, la chanson dépasse les frontières françaises.
Elle est reprise par de nombreux artistes internationaux et devient progressivement un symbole de Paris, du romantisme et, plus largement, d’une certaine image de la culture française.
II - Une chanson qui voyage
C’est peut-être là que réside toute la force de la musique : elle n’a pas besoin de parler notre langue pour nous toucher.
Même sans comprendre chaque parole, une mélodie, une voix ou une interprétation peuvent transmettre une émotion.
C’est aussi ce qui permet à certaines chansons françaises d’être connues bien au-delà de l’Hexagone. Dans les cafés, les écoles de langues, les concerts ou encore les films, elles deviennent parfois une première porte d’entrée vers la culture française.
En Thaïlande aussi, la musique étrangère occupe une place importante, aux côtés d’une scène locale très riche. Les jeunes générations écoutent aujourd’hui des artistes venus de Thaïlande, de Corée du Sud, des États-Unis, du Japon ou encore d’Europe.
La musique devient ainsi un véritable espace de rencontre entre les cultures.
III - Édith Piaf, une voix devenue symbole
Née à Paris en 1915, Édith Piaf connaît une enfance difficile avant de commencer à chanter dans les rues de la capitale.
Sa carrière prend son envol dans les années 1930. Sa voix puissante, son interprétation très expressive et les thèmes de ses chansons l’amour, la séparation, la souffrance, l’espoir lui permettent de toucher un public très large.
« La Vie en rose », « Non, je ne regrette rien », « Hymne à l’amour »...
Plusieurs de ses titres sont aujourd’hui encore associés à la chanson française dans le monde entier.
Piaf meurt en 1963, mais sa musique continue d’être reprise, réinterprétée et découverte par de nouvelles générations.
Pourquoi certaines chansons deviennent-elles universelles ?
Une chanson peut naître dans une ville, dans une langue et dans une époque bien précises... puis être adoptée par des millions de personnes qui vivent à des milliers de kilomètres.
C’est exactement ce qui s’est produit avec *La Vie en rose*.
La chanson parle d’amour, mais surtout d’une émotion que tout le monde peut comprendre. C’est sans doute pour cette raison qu’elle continue d’être chantée dans de nombreux pays près de quatre-vingts ans après sa création.
Finalement, la musique ressemble beaucoup au sport, à la cuisine ou au cinéma : elle nous permet de découvrir une culture tout en retrouvant quelque chose de familier.
Petit vocabulaire musical :
Une reprise : lorsqu’un artiste interprète une chanson créée auparavant par un autre artiste.
Un refrain : la partie d’une chanson qui revient plusieurs fois.
Un couplet : une partie du texte qui change entre deux refrains.
Une mélodie: la succession de notes que l’on peut chanter ou retenir.
Les paroles : le texte d’une chanson.
Un interprète : la personne qui chante ou joue une œuvre musicale.
Un auteur-compositeur : une personne qui écrit les paroles et/ou compose la musique.
Eva SERRA
Creedence Clearwater Revival
Have You Ever Seen the Rain?
À écouter pendant la lecture de l'article
🎸 Creedence Clearwater Revival : la force simple du rock authentique
Il suffit de quelques accords pour les reconnaître. Une guitare limpide, une rythmique implacable, et cette voix rocailleuse immédiatement identifiable : celle de John Fogerty.
Creedence Clearwater Revival – plus simplement CCR – n’a existé que quelques années à la fin des années 60. Pourtant, leur musique traverse les décennies sans prendre une ride. Peu de groupes peuvent se vanter d’avoir concentré autant de classiques en si peu de temps.
🎧 Mon regard de fan Il y a des groupes que l’on écoute. Et puis il y a ceux que l’on ressent. Pour moi, Creedence Clearwater Revival fait partie de cette seconde catégorie.
La première fois que j’ai entendu la voix de John Fogerty, j’ai été frappé par sa sincérité. Rien d’artificiel. Rien de calculé. Juste une intensité brute, presque instinctive. On a l’impression qu’il chante parce qu’il ne peut pas faire autrement.
Ce que j’aime chez CCR, c’est cette capacité à faire simple sans jamais être simpliste. Trois accords, une mélodie claire, un rythme qui avance sans détour… et pourtant une émotion immense. Leurs chansons ont ce pouvoir rare : elles m’accompagnent aussi bien sur la route, fenêtre ouverte, que dans des moments plus introspectifs.
Quand j’écoute Have You Ever Seen the Rain, il y a toujours une forme de nostalgie qui m’envahit. Et à l’inverse, dès que résonne Fortunate Son, c’est l’énergie pure, presque rebelle, qui reprend le dessus.
CCR ne triche pas. Leur musique traverse le temps parce qu’elle est honnête. Et peut-être est-ce cela, au fond, qui me touche le plus : cette impression que, derrière chaque note, il y a une vérité.
⚡ Une carrière aussi intense que brève
Malgré leur succès colossal, les tensions internes s’accumulent. Le leadership affirmé de John Fogerty crée des désaccords artistiques. En 1972, après seulement quelques années au sommet, l’aventure s’arrête.
Quatre années. Neuf albums. Une empreinte indélébile.
Peu de groupes ont réussi à produire autant de morceaux marquants en si peu de temps.
🌧 Conclusion
Creedence Clearwater Revival n’est pas simplement un groupe des années 60. C’est un symbole de sincérité musicale. Une preuve que quelques accords bien choisis peuvent traverser le temps.
Dans un monde où tout va vite, où la musique est parfois produite à la chaîne, CCR rappelle une chose essentielle : le rock, le vrai, n’a besoin que de vérité.
Et peut-être est-ce pour cela qu’un demi-siècle plus tard, il suffit encore d’entendre les premières notes pour que l’on monte le volume.
Thierry
Le Phin (พิณ)
Instrument emblématique du Nord-Est thaïlandaisLe phin (พิณ) est un luth traditionnel à cordes pincées, emblématique de la culture lao–isan (Nord-Est de la Thaïlande et Laos).Bien qu’il soit parfois comparé à un dulcimer en raison de sa sonorité claire et vibrante, le phin appartient bien à la famille des luths, tant par sa structure que par sa technique de jeu. Étymologie et originesLe mot « phin » dérive du sanskrit “Vīṇā”, terme ancien désignant une grande famille d’instruments à cordes en Inde.
- taillé dans un seul bloc de bois, le plus souvent du jacquier, apprécié pour sa bonne résonance,
- sculpté en forme de poire ou de larme,
- doté d’un manche fretté, les frettes étant à l’origine taillées directement dans le bois,
- surmonté d’une tête sculptée, souvent en forme de Naga (serpent mythique protecteur dans les cultures lao et thaïe).
- Le phin possède 2 ou 3 cordes métalliques traditionnellement.
- Aujourd’hui, on trouve des versions modernes à 4 cordes, parfois avec cordes doublées.
- L’accordage le plus courant est Mi – La – Mi, mais il peut varier selon les écoles ou les styles.
- Certains musiciens utilisent même plusieurs phins ou des modèles à double manche pour s’adapter aux tonalités.
Usage musicalLe phin est l’instrument emblématique de la musique :
- Mor Lam
- Luk Thung
- le chant,
- la danse,
- les cérémonies,
- les fêtes populaires.
- réverbération,
- effets modernes,
- intégration dans des styles fusion, rock ou contemporains.
L’approche musicale et les écolesBien que le phin puisse sembler accessible par sa gamme pentatonique, son apprentissage est exigeant.Il existe plusieurs écoles régionales, notamment :
- Udon Thani
- Khon Kaen
- Kalasin
- Ubon Ratchathani
- ainsi que des styles propres au Laos
- une bonne écoute,
- la compréhension du contexte (fête, rituel, danse),
- et souvent l’accompagnement d’un professeur, surtout pour les non-natifs.
En conclusion Le phin est bien plus qu’un instrument :
- c’est une voix culturelle de l’Isaan,
- un lien entre tradition et modernité,
- un symbole sonore immédiatement identifiable,
- et un art vivant, transmis de génération en génération.
Jean-Pierre ROGER
OTYKEN : Tout aussi chaleureuse que le Molam, la Sibérie fait vibrer la planète.
Depuis la taïga sibérienne, un phénomène musical captive le monde entier. OTYKEN, groupe autochtone fondé en 2015, explose sur les réseaux avec plus d'un million d'abonnés YouTube et 250 millions de vues ! Imaginez : chants de gorge, tambours en peau, guimbarde, synthétiseurs électro... Ces jeunes artistes des peuples Tchouliyme, Khakasse et Dolgane réinventent leurs traditions millénaires en folk-pop moderne.
Leurs clips tournés dans les paysages nordiques glacés sont hypnotisants.
Leur tube « Storm » dépasse les 4 millions de vues. Les GRAMMY Awards leur ont même consacré une performance dans leur série Global Spin. Une fusion audacieuse entre passé et futur qui mérite votre découverte !
L’hymne national thaïlandais, appelé “Phleng Chat Thai”
Le compositeur de la musique de l’hymne national thaïlandais est Phra Chenduriyang (พระเจนดุริยางค์), également connu sous son nom occidental Peter Feit.
Phra Chenduriyang est un musicien d’origine germano-thaïlandaise, né en 1883, et il fut l’un des pionniers de la musique occidentale en Thaïlande. Il composa la mélodie en 1932.
Le texte original a été rédigé en 1932 par Khun Wichitmatra (ขุนวิจิตรมาตรา), un écrivain et fonctionnaire important. Cependant, les paroles ont été modifiées peu de temps après. La version actuelle du texte date de 1939 et a été écrite par Luang Saranupraphan (หลวงสารานุประพันธ์). Cette nouvelle version a été adoptée pour refléter l’évolution de l’identité nationale après que le nom du pays soit passé de Siam à Thaïlande la même année.
L’hymne est un symbole patriotique puissant, axé sur l’unité nationale, l’indépendance et la paix, tout en exprimant une détermination farouche à défendre la nation.
Texte original en thaï : ประเทศไทยรวมเลือดเนื้อชาติเชื้อไทย เป็นประชารัฐ ไผทของไทยทุกส่วน อยู่ดำรงคงไว้ได้ทั้งมวล ด้วยไทยล้วนหมายรักสามัคคี ไทยนี้รักสงบ แต่ถึงรบไม่ขลาด เอกราชจะไม่ให้ใครข่มขี่ สละเลือดทุกหยาดเป็นชาติพลี เถลิงประเทศชาติไทยทวีมีชัย ชโย
Texte traduit en français : La Thaïlande est unie de sang et d’âme thaïs, C’est une nation du peuple, appartenant à tous les Thaïs. Elle continue d’exister et de prospérer, Grâce à l’amour et à l’unité de tous les Thaïs. Les Thaïs aiment la paix, mais ne fuient pas la guerre, Ils ne laisseront personne menacer leur indépendance. Ils sont prêts à verser chaque goutte de leur sang pour la patrie, Pour glorifier et faire triompher la nation thaïlandaise. Victoire !
Focus sur un virtuose thaïlandais : Nat Yontararak
Il commence le piano à l’âge de 9 ans sous la direction de Pantipa Treepoonpol. À seulement 16 ans, il remporte le premier prix du tout premier Siam Music Festival en 1971.
Bien qu’il ait obtenu son diplôme universitaire en architecture à l’université de Chulalongkorn, sa passion pour la musique l’a conduit à poursuivre des études supérieures en musique au Goldsmiths College de Londres, puis à l’Université de Reading, grâce à une bourse du British Council et à une aide de la princesse Sudasiri Sobha.
De retour en Thaïlande en 1983, il fonde son propre studio et une école de musique à Bangkok. Il y enseigne, compose et se produit régulièrement en concert, tant en Thaïlande qu’à l’international.
Parmi ses œuvres majeures figure la sonate pour piano “Glory to Our Great Kings”, présentée aux Nations Unies en 1995 à l’occasion de la 50e session de l’Assemblée générale. En 2006, il est récompensé par le Prix Silpathorn, une distinction prestigieuse pour les artistes contemporains thaïlandais.
Côté vie personnelle, Nat Yontararak est marié à Wongdeaun Indharavud, actrice reconnue des années 1970. Elle est aussi l’arrière-petite-fille de Chao Keo Naovarat, dernier roi de Chiang Mai. Nat est par ailleurs l’oncle de Nicha Yontararak, plus connue sous le nom de Minnie, membre du groupe de K-pop (G)I-DLE.
Un parcours inspirant pour ce musicien à la croisée des traditions thaïlandaises et de l’excellence musicale internationale.
Parmi ses œuvres majeures figure la sonate pour piano “Glory to Our Great Kings”, présentée aux Nations Unies en 1995 à l’occasion de la 50e session de l’Assemblée générale. En 2006, il est récompensé par le Prix Silpathorn, une distinction prestigieuse pour les artistes contemporains thaïlandais.
Côté vie personnelle, Nat Yontararak est marié à Wongdeaun Indharavud, actrice reconnue des années 1970. Elle est aussi l’arrière-petite-fille de Chao Keo Naovarat, dernier roi de Chiang Mai. Nat est par ailleurs l’oncle de Nicha Yontararak, plus connue sous le nom de Minnie, membre du groupe de K-pop (G)I-DLE.
Un parcours inspirant pour ce musicien à la croisée des traditions thaïlandaises et de l’excellence musicale internationale.
Pierre Boulez 1925 / 2016 né il y a 100 ans.
Le ministère de la Culture française ayant décrété 2025, « année Boulez », profitons-en pour faire plus ample connaissance avec cette figure majeure.
Pour une grande partie du public, ses œuvres riment avec dissonance et musique moderne inécoutable.
Et pourtant ! Il suffit de se rendre dans une salle de concert pour écouter "Réponse", par exemple, pour comprendre et apprécier une complexité de son et d'atmosphère.
L'écriture savante est le produit de son époque et s'inscrit assurément dans l'Histoire de la musique classique après l'École de Vienne et les Schoenberg, Berg et Webern.
Comme Lully en son temps, l'homme aura été un savant politique capable de se faire entendre pour bouger les lignes. Grâce à sa pugnacité, la Philharmonie de Paris a été bâtie et de nombreux festivals organisés.
Pierre Boulez était également un chef d’orchestre qui a dépoussiéré l’approche parfois empesée de compositeurs comme Wagner. Chacun a en mémoire ce fameux Ring à Bayreuth et les productions d’un binôme de théâtre, le génial Patrice Chéreau.
- Boulez, compositeur d'une œuvre en constante évolution
Souvent méconnue du grand public, car perçue comme difficile d'accès, la musique de Boulez jouit pourtant d'une aura indescriptible auprès de mélomanes et musiciens, surtout des nouvelles générations.
Née dans l'immédiat après-guerre, elle s'inscrit dans les mouvements sériels et post-sériels : construite sur une succession (stable) de sons appelée série, cette musique avait permis de sortir du carcan de l'harmonie tonale et ouvrir le champ à l'atonalité.
Anton Bruckner Ansfelden
(Haute Autriche)
4 sept. 1824 – Vienne 11 oct. 1896
En cette année 2024 le monde musical célèbre le bicentenaire de la naissance d’Anton Bruckner compositeur autrichien de la période romantique. En fait il n’a pas vraiment disparu car c’est le privilège de ces génies créateurs que de perdurer dans le quotidien des artistes.
L’œuvre de Bruckner est célèbre essentiellement pour ses 9 symphonies, énormes édifices musicaux, dont les critiques s’accordent pour souligner les ‘’ineffables langueurs’’ qui exhalent un parfum d’éternité. Bruckner nourrissait une admiration profonde pour Richard Wagner auquel il dédia le sublime adagio de sa 7ème symphonie alors qu’il apprend la mort du grand maître.
Le critique Duncan Chisholm relève un thème solennel aux cuivres qui crée un sentiment de dignité endeuillée. Le très respecté chef d’orchestre Sergiu Celibidache quant à lui évoquait la 8ème symphonie comme le ‘’couronnement de l’art symphonique’’.
- 9 symphonies (la neuvième inachevée)
- 7 messes
- Un grandiose Te Deum (Karajan – Wiener Philarmoniker 1978)
- 5 psaumes
- Un quintette à cordes
- Pièces d’orgue et de piano
Le cor des Alpes Suisse
Pour la plupart des gens, le cor des Alpes est indissociable de la Suisse. Pourtant, cet instrument n’est pas d’origine suisse, tout comme d’ailleurs la plupart des instruments typiques du folklore helvétique.
À la recherche de l’«authentique» instrument de musique suisse.
Pour la plupart des gens, le cor des Alpes est indissociable de la Suisse. Pourtant, cet instrument n’est pas d’origine suisse, tout comme d’ailleurs la plupart des instruments typiques du folklore helvétique.
Le cor des Alpes est un objet emblématique de l’image de la Suisse à l’étranger, tout comme l’horloge à coucou, mais l’un pas plus que l’autre n’est authentiquement Suisse.
«L’histoire du cor des Alpes est longue et son origine difficile à établir», souligne l’École de musique de Lausanne (EML). «L’instrument a certainement été inspiré des cornes ou des trompes arrivées d’Asie centrale en Europe avec les troupeaux de bergers nomades».
Des steppes de l’Asie centrale aux montagnes suisses, le chemin est très long. Dès lors, comment expliquer que le cor soit devenu si cher au cœur des Suissesses et des Suisses?
Cet instrument servait autrefois de moyen de communication dans les vallées des pays alpins, par exemple pour sonner l’alerte ou appeler la population à l’église. Or c’est cette image d’Épinal qui a fait son succès.
Le cor des Alpes a eu la chance de coller parfaitement à l’image de «peuple de bergers» que la Suisse a voulu se donner à l’époque du romantisme.
«Le cor des Alpes a pratiquement été réduit au silence en tant qu’instrument des vachers», rappelle Suisse Tourisme. «Ce n’est qu’avec le romantisme au 19e siècle, le renouveau du folklore et le développement du tourisme qu’il a connu une véritable renaissance – et est même devenu un symbole national». Quels autres instruments emblématiques du folklore suisse sont en réalité des adaptations locales d’instruments venus de l’extérieur ? Un instrument de musique authentiquement suisse existe-il vraiment ?